Rembrandt y el Barroco Buscan la salvación a través de luz

Este ensayo indaga en el arte Barroco y en la vida del pintor, y maestro en la utilización de la luz Rembrandt:

UNIVERSIDAD DEL MAR






Carrera: Cine, Video y Televisión.





Rembrandt y el Barroco Buscan la salvación a través de luz







Alumno: Rodrigo Acosta Larenas








Fecha: 20/09/2005























INTRODUCCIÓN:

Quien fue Rembrandt, dicen que fue un Holandés, que nació en Leiden un 15 de Julio de 1606 su número vendría siendo el 5 si no me equivoco, pero bueno eso no viene al caso. Algunos dicen que fue Hijo de un acomodado y otros que de un humilde, en lo que están todos de acuerdo es que sin importar si era acomodado o Humilde, de escasos medios para ser más claros, Rembrandt era hijo de molineros, y que ellos le brindaron una educación de bien, y que estudio en la universidad de Leiden un solo curso ya que se decide a caminar por el camino de la pintura, en este campo el connotado Rembrandt va a tener dos maestros, uno en Leiden y otro en Ámsterdam. Desde ahí comenzaría su camino personal, hasta su muerte en 1669.

En el presente trabajo expongo mi punto e vista con respecto a la creación y muchas cosas más como por ejemplo: Etc.






Barroco:

¿Qué es el Barroco? ¿ que nos sugiere? ¿Cuáles son las causas que lo gatillan? ¿Cuáles son sus características?

Todas estás interrogantes se nos vienen a la cabeza cada vez que nos preguntamos o enfrentamos a algo nuevo, desconocido para nosotros, esto es lo que pretendo desentrañar a lo largo de estas notas. Con cada nueva palabra que se plasma en este papel voy descubriendo y planteando hipótesis, puede que en algún punto se encuentre una o varias contradicciones, seguramente será así, porque yo no vengo a plantear ningún postulado sobre el arte barroco, sino mas bien lo que pretendo es ir descubriendo, planteando y preguntándome cosas con respecto al tema en cuestión.

Se dice, y he escuchado hablar del siglo del barroco, este periodo estaría comprendido entre los años 1600 y 1750, bueno eso es un siglo y medio, para ajustarse más a la unidad de medida “siglo”, digamos que se dice también que va desde el 1630 al 1750, casi un siglo y un cuarto, pero en fin nimiedades como esa no interesan, mas aún si se comprende que querer encasillar el arte es cómo querer enmarcar el cielo, no se puede. Con respecto a esto me nace la pregunta, ¿que es lo que lleva a determinar el periodo exacto en que se inicia un movimiento?, me imagino que debe ser por algún acontecimiento, alguna exposición, alguna proclamación o algo por el estilo. ¿Pero el proceso intermedio?, la metamorfosis que se requiere para pasar de una forma u otra ¿se incluye dentro del periodo?, ¿como se define?… creo que no tengo respuesta, me nace la duda de que pasa con los artistas que nacen dentro de un periodo determinado y los que ya existen antes de la génesis del mismo, ¿quien es más o menos Barroco que el otro?, porque el que existe desde su génesis es algo así como un pionero, y el que nace dentro del periodo es algo así como una víctima del mismo, una víctima del despotismo del destino, que nos impone una decisión ya tomada por otros antes que nosotros existiéramos, “Todo por ti, pero sin ti”. Creo que ya esta bueno con este tema, si se atendiera mi queja tendría que existir un estilo con cada nacimiento, que no deja de ser algo razonable, mas que mal las grandes colectividades están formadas por múltiples y diversas unidades, que mantienen su autonomía compartiendo ciertos rasgos comunes que le dan el cuerpo a dicho movimiento…uf, al fin una respuesta. Estos “Ciertos rasgos comunes” están determinados por los acontecimientos y clima imperante en determinada época, responden a una especie de Inconciente colectivo gestado a través de las experiencias acumuladas como sociedad, de ahí que se diga que toda manifestación artística y de cualquier índole es el reflejo del momento en que se creo. Todo fenómeno incide en el arte, todo movimiento es resultado final de una serie de fenómenos internos y/o externos que llevan al desencadenamiento en tal o cual manifestación. Todo tiene su proceso de gestación, y esto se aplica tanto para el arte como para todos los fenómenos de la vida. Ahora bien, esto nos plantea una pregunta, ¿el Barroco de que es resultado?, ¿a que sirve?, ¿nace para servir a alguien y luego se revela?, algo así como Frankestein, el hijo que se escapa de las manos y deja la… Porque el arte si bien es el resultado de fenómenos, por lo que se puede asociar como herramienta contestataria (la cámara como un arma), también puede ser utilizado como herramienta de persuasión, cómo herramienta panfletaria. La condición anterior va a depender desde que lado de la cancha miremos el partido.

Bueno, lo cierto es que el periodo que abarca el siglo XVII y XVIII esta repleto de acontecimientos que pueden tomarse como gotitas que llenan un baso, el que se rebalsa dando origen al barroco. En realidad no se si es tan así como que se fueron juntando gotas y eso, pero suena bonito y por último yo lo quiero poner.

El Barroco no es un arte unitario, si bien nace en Italia, se dice que con la finalidad de manifestar la grandeza de la iglesia la que quería y mas bien estaba muy, pero muy necesitada de reafirmarse a través de la contrarreforma y como todos sabemos y si no lo sabemos lo suponemos, el arte es una herramienta de persuasión y de adoctrinamiento excelente, esto por la sencilla razón de que el arte entra por decirlo en forma popular “como que no quiere la cosa”, haciéndose el loco y apelando a nuestro inconciente a través de distintas herramientas expresivas de sometimiento involuntario, eso también suena muy bonito. Entonces, estábamos en Roma y su necesidad de afirmar la contrarreforma que es algo así como un combo de vuelta a los protestantes por la Reforma que desarmo la iglesia Católica. Entonces que mejor que crear nuevos dogmas, meter unos santitos por aquí y por allá, que adoración de imágenes por acá y la inmaculada por otro lado, en fin meta pintura en la casa para que la gente se interese y nos compre la pomadita. Y obviamente, para hacer un cambio en la fachada se requieren herramientas nuevas, algo así como un cambio en el estilo, parecido a lo que hizo Frei hijo después de su patatus, salgamos del acartonamiento de lo clásico y entrémosle al dinamismo del movimiento, ya esta bueno de poses aburridas juguemos al Congelado, vulgarmente quiero expresar el carácter fotográfico que encuentro en el estilo barroco, utilicemos la luz como herramienta expresiva y sugiramos la salvación y las tinieblas, marquemos el camino de la salvación a través la luz: ¡ Creemos el barroco!. Que geniales son los curas, la verdad de las cosas y para ser honesto, no estoy tan seguro de que ellos sean los culpables de esta propuesta estética, no me los imagino con un pensamiento tan progresista, desde el punto de vista de la utilización de los elementos expresivos que ofrece la luz y la composición de los cuadros, porque en lo que atañe la estrategia, la planificación de lo que expongo arriba, es macabro, y la verdad que si los creo capaces de maquinar con tanta frialdad, por algo han durado lo que han durado. Ay que terrible, como que me perdí..eeee…ah, si, la cuestión de los curas maquinando y blabla, la verdad, lo que creo es que, claro, ellos tenían una necesidad y recurrieron a los doctores del alma, los artistas para ejecutar esta labor, y son ellos con su genialidad los que sugieren y crean toda la estética que caracteriza al barroco. Ahora bien, me surge una nueva duda, ¿porque motivaciones los artistas de este periodo cambian su forma de ejecutar y de crear?, ¿porque razón se alejan de los rasgos comunes de antes y comienza a nacer un nuevo estilo?, ¿que mas hay detrás?. También tengo que aclarar lo que dije al comienzo de la idea, eso que el barroco no es unitario, que nació en Italia supuestamente al servicio de afirmar la contrarreforma, que por lo demás llevaba tiempo corriendo. Como dije Italia fue el punto de partida, de ahí se expande por Europa y va a adoptar distintas características, va a sufrir variadas mutaciones por la naturaleza distinta de la zona en que se arraiga, pero va a conservar siempre ciertos rasgos comunes que nos permiten hablar de un estilo Barroco en Europa, estos rasgos son los siguientes:

Exageraciones expresivas, búsqueda de efectismo, trabajo profundo en la psicología de los personajes, búsqueda de modelos naturales, más bien de la naturaleza sin idealizar nada, el uso de la luz como elemento expresivo, la creación de una sensación de profundidad lo que le da realismo, busca la perpetuación del movimiento. A mi parecer la característica principal es la utilización del claro oscuro como elemento expresivo, en algún libro esta escrito que “El barroco es el arte de plasmar pictóricamente la luz”. Y también el arte que perpetúa el movimiento, un avance de la fotografía

Bueno, tenemos una pregunta que no hemos contestado, a ver si somos capaces de dilucidarla, ¿Qué fue que hizo a los aristas de la época cambiar el rumbo? ¿Qué los aburrió?. Veamos, la Europa de la época estaba asolada por una forma de gobierno absoluta, ¿como se llama la canción?, “Absolutismo” que no es otra cosa más obvia que su nombre, el gobernante tiene poder absoluto, es la ley hecha carne y la iglesia lo avala ya que “Un rey es tal por la gracia de Dios”, bueno esto en el siglo XVII, luego en el siglo XVIII se pretende hacer un regaloneo al pueblo, nada mejor que el despotismo “Todo por el pueblo, pero sin el pueblo”. Me imagino que estos estilos tan “Propensos a la “imposición voluntaria” de las ideas” ahogaron los ánimos de los artistas hasta tal punto que estos tuvieron que explotar en una manifestación nueva. También tenemos que para la época (siglo XVII) los ánimos nacionalistas se exacerban un poquito mucho, llevando a las dos súper potencias del momento a una guerra que enfrentaba a los Príncipes protestantes de Alemania, que contaban con el apoyo de Dinamarca, Suecia y Francia, con católicos Austriacos apoyados por España. Bueno esta guerra se llamó “la guerra de los treinta años” (1618-1648), no se porque, pero de todas formas en Internet debe salir si es de su interés. Después de esta guerra los franceses quedan con la hegemonía de Europa con los Borbones al mando, luego de la muerte de Carlos II de España, estos señores Borbones entran en la guerra de sucesión española quedándose con la corona. En lo económico se instaura el mercantilismo o nacionalismo económico lo que de seguro provocó más de un problemilla. También existen hambrunas, epidemias y cosas por el estilo, de estas que generan rabia e impotencia y por lo tanto hacen necesaria una vía de escape. Como hemos podido notar, muchos conflictos existen y como también sabemos un artista sin conflicto no es tal por lo que la época se daba para producir artistas y muchos.

Pero a ver, tampoco el arte solamente debe ser contestatario, no, por lo que he estudiado, el arte barroco se sirvió muy bien de estas “oportunidades” , como dije anteriormente la iglesia le dio la posibilidad(en este punto, el de “posibilidad”, aún estoy en conflicto interno, puede que en el curso de este ensayo genere un movimiento nuevo, estoy en crisis) al arte para expresarse de una forma distinta, por otro lado la monarquía también dio “oportunidades” (voy a cortocircuitar) ya que quería hacer brillar con boato la majestad real, bajo el firme convencimiento de que el poderío sólo es perfecto si se manifiesta ante los ojos de todos, mediante el brillo del escenario en que se ejercía. La ciudad es una gran vedette que necesita ser hermoseada.

Como se puede notar, hasta el momento hemos dado una serie de características que nos llevan a dos grandes modelos, espero estar aplicando bien el termino, si no probemos con molde y si no que sea lo que Dios quiera, uno de estos modelos, es el Barroco de la contrarreforma, que desplegó imaginería, sensualidad, etc y el Barroco protestante, ligado mucho más al raciocinio y la abstracción, esto nos lleva a una nueva clasificación Barroco absolutista y Barroco Burgués. El primero con un carácter más clásico queriendo actuar como argumento convincente del poder real, el segundo más ligado al Barroco protestante, tiene temas costumbristas, naturalezas muertas y paisajes.

Hasta acá he intentado hacer un recorrido a vuelo de pájaro por los periodos que marcan la historia del barroco, ahora yo pretendo hablar un poquito más de la pintura barroca y en especial sobre el Artista Holandés Rembrandt Harmenszoon Van Rijn, (1606-1669).

Lo dicho anteriormente apunta a que todo hecho en la historia de la humanidad va a repercutir en el arte, va a hacer que este cambie, que se manifieste con mayor o menor ponzoña, y como dije un poco mas arriba, las grandes colectividades se conforman de múltiples unidades lo que se puede asociar a la ley de correspondencia “Como es arriba es abajo, como es adentro es afuera” y con esto podemos decir que si estos grandes conflictos afectan la generalidad del arte, también los pequeños conflictos afectarán al artista individual y a la vez reafirmamos aquello que dijimos alguna vez, que dice que un artista sin conflicto no es tal, y que el arte va a ser el reflejo del alma del artista. Todo lo expuesto en líneas anteriores nos manifiesta posibles causalidades que desembocaron en un tipo de manifestación artística que rehuía del encierro de lo clásico, un movimiento, un inconciente colectivo; no nos olvidemos que eso es una característica del barroco, que no es un movimiento que cómo muchas de las vanguardias tenían manifiestos, proclamaciones y cosas por el estilo, no, y es esto a mi parecer lo que le da un carácter mas firme a este estilo de arte poco pulido, incompleto, breve cronológicamente hablando. Porque a mi parecer una vanguardia deja de ser tal desde el momento en que es reconocida como tal, y comienza a ser reconocida como tal, desde el minuto en que comienza a esperar este reconocimiento, o sea cuando su inicio deja de ser algo natural una consecuencia de acontecimientos, cuando deja de ser una manifestación. El arte en su esencia es personal y no debe, a mi parecer buscar determinados adeptos o resultados, solamente tiene que cumplir con su manifestación natural, pura y simple. El barroco es eso, el barroco surge de un dolor, es una consecuencia una respuesta, una salida a un ahogamiento espiritual que se vivía por el siglo XVII.

La pintura Barroca busca mostrar la naturalidad de las cosas, capta momentos, roba almas, tiene ese carácter fotográfico tan temido por algunos aborígenes, es un tipo de manifestación del todo humano, del todo natural, que muestra el actuar de Dios a través de los cursos naturales. Ya no se muestra la divinidad afectada, propia del renacimiento y de la época clásica. Si bien, la pintura barroca no renuncia a la ficción. Tiende a mostrar sus temáticas con una inusitada naturalidad, recurre más que al realismo, al naturalismo, porque en sus temáticas están presentes seres místicos, propios de la religión, como ángeles, personajes volando, pero en su ejecución se recurre a una forma concreta de contar la vida, de contar momentos. Al presenciar una pintura de Rembrandt por ejemplo se me viene a la mente la frase, “este tipo cuenta acciones” o “Que manera de componer el cuadro”, claro, Rembrandt tiene piezas más realistas que por ejemplo Guido Reni o Pietro de Cortona, lo que me permite hacer este tipo de asociación con el cine. Pero todas las pinturas Barrocas que e observado hasta el momento tienen esa contención psicológica, ese congelamiento de la acción que nos hacen sentir cuando las observamos, una sensación de continuidad, nos llevan a cuestionarnos que hay mas hacia la izquierda o la derecha, también nos hace especular con respecto al suceso que esta fijado en la tela, y acá nos topamos con algo muy importante a mi parecer con respecto a la contemplación de una obra de creación, y es algo que tiene que ver con la búsqueda de significados absolutos de una obra de arte, no existe nada más odioso para mi que el escuchar la pregunta de alguien al contemplar una obra de arte ¿Qué significa?, al oír tamaña barbaridad, simplemente me alejo en silencio y trato de evitar al odioso. Porque si hay una característica de la creación, y me parece que lo he repetido bastante a lo largo de este “Ensayo”, es que el arte es un Proceso netamente personal tanto en el proceso de creación como en el de interpretación. Ya esta bueno de buscarle significados a todas las cosas que nos suceden ya esta bueno de querer enmarcar el cielo, porque no se puede, es imposible, el cielo cambia, siempre esta ahí pero cambia. Es momento de dejar un poco de espacio a la libertad interpretativa, no hay nada más generoso que la invitación artística de un creador a contemplar su obra, por que es una invitación absolutamente libre de impuestos, por decirlo de alguna forma graciosa. Es una invitación a jugar, es un acto lúdico y atrevido es una invitación, voy a ocupar un término contemporáneo teatral, a posarse arriba de la pelota, a pararse al borde del precipicio, a jugar al filo de la navaja; es una invitación a dejarse llevar por ese algo que se contempla que requiere de una apertura de mente y una disposición de cuerpo y alma para poder estar receptivo no tanto “al mensaje” sino que al estímulo de la creación. Todos podemos completar el cuadro “El buen samaritano” o “La sagrada familia”, cómo no especular con “Malle Babbe” de Frans Hals. Que pensar de esa mujer-hombre con actitud tan ambigua, cómo no pensar de quien se Burla, si es que lo hace, a que se debe ese búho, es algún toque sobrenatural, ¿será hechicera? ¿será mujer?. Todas estas cosas se nos pueden venir a la cabeza en el momento de contemplar una obra y muchas más por cierto, dependiendo de cada individuo que contemple el cuadro. En lo personal a mi me llama la atención la caracterización del personaje, la capacidad de retención fotográfica del pintor para poder plasmar cada detalle sin caer en la inmovilidad propia de un cuadro.

Particular admiración me merecen Caravaggio por su manejo de la luz, un pionero, por su capacidad de contar una historia con tan sólo un “fotograma” por manejar un sin número de claves, esto es algo que creo, tales como señalar el recorrido visual a través del manejo de luz, algo que parece de Perogrullo pero que hay que hacerlo. Rubens, como no, otro maestro de la “fotografía”, otro pionero. Y obviamente Rembrandt, otro maestro de la luz, que siguiendo en forma indirecta los pasos de Caravaggio, se convertiría en el más importante artista Holandés, ¿Por qué?, algo debe tener que ver el dolor en todo esto, el sentimiento, el ejecutar el arte de manera personal independientemente de si es un encargo o no, siempre mantuvo un punto de vista, y esto es algo esencial en el arte, puede que nuestro punto de vista del mundo, de la vida, de las cosas cambie, y es en cierta manera natural, marca un poco la evolución natural que sufre el hombre en el trayecto de su vida, pero lo que es imperdonable es que este punto de vista deje de existir o se doblegue por sobre nuestros intereses creativos. Es absolutamente imperdonable que un artista pretenda existir sin una temática interna, es imperdonable la pretensión de entrar en el mundo de la creación con un punto de vista simplón de la realidad, con un punto de vista vacío, primero que nada porque si es vació, no es punto de vista y un artista sin pretensiones de transmitir sentimientos, emociones, sensaciones es una persona condenada al fracaso y al olvido, si es que alguna vez llega a ser tomado en cuenta por algún movimiento oportunista y engañoso. Cada creador que ha logrado pasar a la historia es porque en forma conciente o inconciente ha ido marcando camino, y la mejor forma de marcar camino en la vida es a través de temáticas propias honestas que muestren la verdad de cada uno, con cada obra de arte el artista desnuda una parte de su alma y se vuelve vulnerable, porque pasa a estar expuesto, para el arte no sirven las corazas impuestas por las modas, las modas no perduran, las verdades son eternas, nunca absolutas, pero eternas y es lo único que nos queda en el momento de despojarnos de todo. Por lo tanto es una falta de respeto hacia uno mismo tratar de crear una mentira, porque al crear sobre la nada, no tenemos base de sustentación. ¿que vemos en la pinturas de este Rembrandt?, evolución, de la luz a la sombra, de la experimentación a la solides y maduración. Encontramos una guía constante por parte de la luz hacia la salvación, lo bueno siempre esta iluminado, versus lo demoníaco que se encuentra en las tinieblas. Responde esto a cierto patrón de conducta que se quería imponer por parte de la Iglesia, la salvación esta del lado de la luz y la luz es el lado de nosotros, síguenos y no te perderás, como buen pastor guía a su rebaño, la iglesia guía a sus fieles, pero bueno, es rembrandt, es barroco no se nos exija algo rígido y enmarcado, lleno de poses y ademanes afectados propios del renacimiento, no acá tenemos cotidianeidad, tenemos naturalismo. Tenemos la manifestación de Dios a través de conductos regulares, naturales. No una intervención espectacular estilo los 10 mandamientos, no, por ejemplo en El buen samaritano” podemos ver un cuadro repleto de vida y de acción, totalmente alejado de la visión idealizada de este pasaje bíblico, acá las cosas no se muestran según lo que se espera, no se muestran según lo que son, absolutamente reales, podemos suponer que una pintura similar hecha con un punto de vista más medieval del arte religioso, nos mostraría sólo un segmento e este cuadro, enfocándose específicamente en la acción del buen samaritano de entregar a este opositor de ideas al tabernero, y obviamente se caracterizaría de una manera muy estereotipada con algún alo alrededor de su cuerpo y todas esas caras de aflicción correspondientes. Bueno acá se ve algo distinto, un gran plano donde se nos muestra absolutamente todo lo que acontece alrededor de la escena principal, la característica de religiosa podría estar dada por un pequeño haz de luz que cae sobre el tabernero y el Samaritano, en su entorno se ve la vida cotidiana, hay un perro haciendo sus necesidades, un señor que mira con curiosidad, y se pregunta que transacción estarán realizando estos hombres, tal vez cree que se trata de contrabando, mas en primer plano esta el niño que cuida el caballo y al fondo vemos a alguien totalmente despreocupado sacando agua de un poso.

Que nos quiere demostrar rembrandt con esto, bueno, como dije mi verdad no es absoluta, pero es; nos esta transmitiendo la maravillosa noticia para algunos, intrascendente para otros; que Dios actúa utilizando medios absolutamente regulares, que el no interrumpe la normalidad de la vida para manifestarse, el no va a dejar caer a este Judío sobre una cómoda cama ni dejara caer un rayo que cure sus heridas, no, el se va a valer del hombre y la naturaleza para canalizar sus obras. Rembrandt nos presenta ese punto de vista a través de sus pinturas. Y en otras donde no recurre tanto a la realidad, como en “El sacrificio de Abraham”, nos presenta de igual forma una manera de pintar naturalista, caracterizando la psicología de los personajes y marcándonos el recorrido de la visión a través de la luz y el recorrido de la salvación del alma también, vemos que el único personaje que recibe la luz de lleno es la victima de este crimen religioso, ordenado por Dios, vemos que el resto de los personajes esta prácticamente en forma completa en las tinieblas, y es el ángel el que viene a impedir el asesinato, acá vemos, claro esta, una intervención un tanto espectacular por parte del ser divino, pero conservamos los rasgos y caracterizaciones mundanas, se logra captar la contención de energía que hay en la escena, las únicas zonas que se mantienen en salvación, curiosamente son la cabeza y las manos de Abraham, partes que son las que pueden impedir el asesinato, involucradas directas en el acto. La cabeza que toma las decisiones y la mano que ejecuta la orden. Paradójicamente y contrario a la fe cristiana, el corazón de Abraham ya esta perdido, es un ser sin alma y sólo la razón, que curioso, le queda para cometer este acto. Que habrá sucedido unos minutos después de ese hecho, me imagino que la luz se redistribuyó paso de la cabeza al corazón, dejando a este ser sin razón, es algo que no se puede saber, solo suponer, es la maravilla del arte, nos permite especular, soñar y jugar a ser dios, desde el momento en que comenzamos a crear.

La luz es el camino de la visión, la luz es utilizada como elemento de salvación, los personajes hablan por si mismos, nos sugieren historias, nos llevan más allá de la misma obra. Si hay una pieza que sea hermosa en cuanto a luz, esa es “La Sagrada familia”, acá yo diría que Rembrandt hasta manejaba el tema de la temperatura de color, como puede ser capaz de crear un clima tan cálido e inquietante a la vez, como puede llegar a sugerir a través del uso de la sombra, es genial. En este cuadro observo una lucha entre el bien y el mal. Que se lleva a cabo en una especie de ceremonia de santiguamiento o algo así, fíjense que la luz cubre a estas personas en torno al bebe, al parecer están rezando una de las ancianas la que esta mas iluminada hacia “cámara” lleva un rosario o algo parecido y se encuentra en actitud de oración, de extrema concentración, tras de si hay una sombra que puede ser suya, pero que no lo parece nada, es una sombra que se vuelca amenazadora hacia el bebe, notemos también que esta señora más el bebe y el personaje que lee la Biblia, forman un triangulo pequeño, que estaría circunscrito en otro triangulo mas amplio, formado por esta sombra maligna que se posa sobre el bebe, un ser oscuro que esta al lado de la persona que lee la Biblia y otro ser siniestro que se encuentra agazapado bajo la escalera, curioso esto del triangulo, lo he notado en varias pinturas del autor, pero bueno uno podría decir, claro es obvio que si estas personas están expuestas a una fuente de luz dura, les provoque una sombra algo expresionista, gran detalle que indica lo buen observador que es el pintor nada más, pero esto también puede obedecer a una intencionalidad de mostrarnos, nuevamente con medios naturales, que el mal convive con nosotros día a día y que forma parte de nuestra cotidianeidad.

A pesar de que en rembrandt no he observado tanto el carácter de recargado que se le atribuye al barroco y que podemos notar un ejemplo en el fresco de Pietro Da Cortona “Glorificación del reinado de Urbano VIII”, se observaba de igual modo, o se siente, se experimenta esa inducción a recorrer la obra a segmentarla y verla por parte. De alguna forma u otra están recargadas, será por su caracterización de los personajes, su creación de atmósferas tan bien lograda o por capturar ese momento con alma y todo. No lo se, pero lo que esta claro es que es fascinante poder contemplar una fotografía, cuando aún no se descubrían la propiedades de los aluros de plata.

Bueno para terminar con el tema del fotógrafo del siglo XVII quiero referirme a la pintura “Árbol”, brevemente quiero decir que esta pieza puede ser analizada casi como una fotografía y deja e manifiesto la capacidad que tienen algunas personas para percibir la realidad de una manera cinematográfica, no se si será por algún defecto parecido a la persistencia retiniana o que, pero cuando miro esta pintura me hago la pregunta de que si uno ve así la realidad. Y me respondo que no, una al ver una situación de extremo contraste, logra definir texturas o simplemente ve un manchon irreproducible, pero acá se puede decir que rembrandt tenía la capacidad de ver como veía la película, tenía algo así como un fotómetro natural que le permitía reproducir tal cual papel fotográfico una situación determinada, puede que exagere, pero eso tiene que ver con mi percepción de la realidad un tanto desequilibrada

Para seguir o para construir un carácter mas biográfico del autor en cuestión, recurra a una biblioteca… Perdón fue un lapsus. En la vida de Rembrandt, esto lo tomo de los libros que leí, hay una evolución de acuerdo a los distintos acontecimientos que marcaron su vida, desgraciadamente no he podido tener acceso a pinturas de su primer periodo, que se supone son mucho más experimentales y luminosas, pero el primer acontecimiento que marco un giro o represento un golpe para el Artista, fue la muerte de su padre en 1930, la evolución de Rembrandt esta marcada prácticamente de manera absoluta por el dolor y la frustración, de esta época es la pintura “La resurrección de Lázaro” donde vemos a un Jesús que con su mano en alto, proyecta hacia su espalda un haz de luz dorada que baña suavemente a los presentes, a excepción de una niña que observa el acontecimiento, la que recibe una fuerte iluminación en su rostro, dejándonos ver su desesperación ante el levantamiento del propio Lázaro. El gesto y la actitud de autoridad de Jesús, portador de luz, se contrapone con la de Lázaro quien regresa de las tinieblas. Tendrá algo que ver con cierto anhelo del pintor por resucitar a su padre, por demostrar autoridad frente a él talvez. Quien sabe su verdad se la llevo a la tumba sólo queda la que construyamos para nosotros mismos. En el cuadro lección de anatomía de 1632, puedo notar un juego de personajes exquisito, al verlo se me ocurrió la idea de jugar a ver quien es rembrandt, dentro de todas estas personalidades tan distintas que se encuentran juntas en una situación común, podría ser una representación del mismo arte barroco. Al observar la variedad de personalidades expuestas en este cuadro, se puede especular, Rembrandt es ese posero que esta al fondo mostrándose de forma clásica hacia la “cámara” o es el disimulado de al lado que hace como que mira pero en realidad se perfila para su mejor ángulo. Será alguno de los interesados, no creo, tal vez ese personaje mas cercano al primer plano que parece ser un infiltrado que no soporta el espectáculo que ve, me parece muy mariquita. O tal vez es el maestro e ceremonia que se encuentra totalmente poseido por el momento y ejecuta su labor con un grado de maestría tal que parece estar en trance, parece estar siendo guiado por fuerzas superiores e cada uno de sus movimientos, actua con la maestría y la serenidad propias de un iluminado. Yo me inclino por este, bueno en esta época Rembrandt se encuentra en Ámsterdam a un año de comprometerse con su futura esposa Saskia Van Uylenburch. En “Saskia como flora”, presenta a su esposa totalmente aislada del entorno, es solamente ella el objeto principal merecedor de la luz esto es en 1634. El autorretrato con Saskia de 1635 nos muestra el momento armonioso que esta viviendo, es feliz. En la pintura Sansón cegado por los filisteos, se observa de nuevo un tenebrismo, tal vez gavillado por la muerte de su hijo (1636), yo le veo un carácter premonitorio, algo rebuscado puede ser, pero con el destino nunca se sabe, por una parte puede ser tomada esta pintura como una traición del destino, representado por Dalila. O bien podríamos darle el carácter de premonitorio por la traición a causa del despecho de Geertige Dirck, quien lo dejaría casi en la ruina. El año de 1642 y los que lo rodean están envueltos en alegrías y penas, por un la en 1640 muere su tercer hijo y a esto se le suma un nuevo dolor, la pérdida de su madre, en 1641 recibe una alegría con el nacimiento de su hijo Tito, pero en 1642 muere su esposa a causa de tuberculosis. Además en ese año fatal confecciona el cuadro que se asocia a la decadencia económica del gran maestro, una especie de maldición, me refiero a “La ronda nocturna”. Cuadro hecho por encargo de unos militares que querían ser retratados, al ver el resultado y el tratamiento poco equitativo en la figuración personal en la pieza, se disgustaron. En dicho cuadro podemos ver a algunos militares que se encuentran en algún tipo de manifestación, pero lo que más me llama la atención es la niña que aparece atrás de cuadro iluminada de manera casi espectral, ¿será Saskia? Puede ser. En 1656 le obsequia un retrato a su nueva pareja Hendrickje Stoffels, posiblemente en agradecimiento por su nueva hija Cornelio, en esta etapa de la vida rembrandt ya había dejado de pintar o de caracterizar a personajes de mucho carácter y sus pinturas manifestaban mas bien una tranquilidad y una serenidad propias de quien ha vivido una vida con sobresaltos, en su autorretrato con bastón se lo ve con un carácter firme pero apacible, tranquilo, sereno. Y finalmente con “el regreso del hijo Prodigo” , se lo ve entregándose a un padre Bondadoso que lo recibe con los brazos abiertos, esto ocurre bajo la mirada atenta de dos personajes a su lado derecho, pero en el fondo en la oscuridad, serán tinieblas o no, quien sabe, hay dos mujeres esperando, quizás una visión un tanto medieval, eso de que la mujer siempre espera al amado, tarde lo que tarde. Puede ser.

Sea como sea tiene que quedarnos claro, que para pretender trascender debemos ser consecuentes y tenaces en nuestra forma de ver la vida. No nos debe faltar jamás un punto de vista sobre las cosas. Y nuestro viaje ya sea de la luz a la sombra o al revés siempre tiene que ir marcado por una motivación, para mi caso es el dolor, para otros quien sabe, pero para emprender un camino de creación y de superación personal, primero debemos detectar el punto en que nos duelen las cosas y desde ahí comenzar a crear.




CONCLUSIÓN:

Para salir de las clásicas conclusiones escolares, no voy a decir que el trabajo de Rembrandt me impresiono y que me ha motivado a plantearme las cosas desde un punto totalmente distinto, no, no es así, lo que me ha pasado es que a través del estudio de este pintor de algunos estilos artísticos, es que me he dado cuenta que la única forma de creación, o no la única forma de creación suena muy absolutista, pero la única forma de poder surgir y caminar creando, y la única forma de sobrevivir de una manera más digna que la de un zombi, es teniendo motivaciones, motores, ganas, amor por lo que uno hace, tener siempre un norte que nos permita orientarnos en momentos de mareo, eso.



Bibliografía


La idea del Barroco
Estudios sobre un problema estético Luciano Anceschi

Historia general del arte
Renacimiento y Barroco H:W: Janson

Múltiples sitios de Internet